La inauguración de Art Basel Miami Beach el 1 de diciembre de 2004 comprobó cómo, en un lapso de tres años, esta feria se ha convertido en el evento de arte más importante y anticipado del continente americano. Más de 1.000 artistas de Norteamérica, América Latina, Asia, Europa y África son representados por 190 galerías invitadas al evento, al que se estima asistieron más de 30.000 personas. Art Basel Miami Beach desata una epidemia de celebraciones que durante una semana transforman y se apoderan de la escena social y artística de Miami. Los límites se exceden: las barreras de opulencia se desbordan con las ventas de obras de grandes maestros que exceden el millón de dólares. Las horas del día son escasas y no alcanzan para lograr asistir a la cantidad de eventos que buscan galardonar a coleccionistas, curadores, críticos, reporteros, artistas, y al público en general que asiste a la feria.
Sin embargo, el enfoque de Art Basel Miami Beach no se pierde entre el carnaval. La feria cumple con su objetivo principal, que es brindar al público la más completa colección de arte, que incluye tanto a artistas trascendentales como a talentos emergentes del circuito artístico internacional.
La combinación de técnicas y medios expuestos por la Galería James Cohan de Nueva York funcionó. Entre pinturas y pasteles de Francesco Clemente, artista de la transvanguardia italiana, era fácil confundir el video mudo de Bill Viola, Catherine’s Dream, con un cuadro. La videoinstalación, de moderada medida (70 x 45 cm), muestra las expresiones faciales en cámara lenta de una mujer, de manera que sus movimientos apenas se pueden percibir. La exposición también incluyó fotografías del cineasta alemán Wim Wenders, entre las cuales se encontraba la fotografía de mayor dimensión de toda la feria: Dust Road in West Australia (178.12 x 447 cm). La mayor parte de las fotografías de Wenders ha sido tomada durante los rodajes de sus películas o en sus viajes personales. Sin embargo, lo que comenzó como un pasatiempo y una afición, se convirtió en la creación de grandes obras de arte dentro del medio fotográfico. La escogencia de tamaño en Dust Road in West Australia actúa a favor de la obra, ya que integra al espectador trasportándolo al camino de tierra que parece sumergirse en la inmensidad del cielo.
La sensación de inmortalidad que nos dan las obras de Wenders es rápidamente reemplazada por los armazones esqueléticos caninos de las fotografías del artista chino Zhang Huan en la Galería Artcore de Canadá. El título de la obra, Pear Blossom Grove, tienta al espectador a visualizar tierras verdes con árboles floreados y aromas placenteros, y aumenta el impacto y el horror ante la mórbida escena montada por Huan. Esqueletos de perros rondan una planicie árida en la secuencia de fotografías, entre árboles secos y tierras baldías, e irónicamente, toman agua de un charco, como si los esqueletos estuviesen sedientos de vida. El perro es considerado como un manjar en un sector de China y Huan utiliza los huesos de estos perros para hacerlos protagonistas de estas obras.
Las instalaciones virtuales de Jennifer Steinkamp en la Galería Lehman Maupin de Nueva York demostraron cómo es posible incluir simulacros de la naturaleza en cualquier espacio arquitectónico, por más privado que éste se encuentre de luz solar, agua o tierra. Steinkamp presentó una serie de flores que por medio de un proyector cobraban vida sobre las paredes de la galería. Los efectos especiales que Steinkamp utiliza permiten que las flores se muevan de lado a lado al son de una brisa imaginaria, creando un vínculo entre el fenómeno de la realidad tangible y la realidad virtual.
Jenny Holzer en Cheim & Read Gallery de Nueva York, presentó una obra típica donde hay un letrero electrónico LED con texto en neón que provoca náusea y mareo; el texto fosforescente no deja de caer dentro del rótulo vertical, cuya estrechez apenas alcanza para dar espacio suficiente a las palabras para moverse.
De igual manera, el artista belga Fred Eerdekens recurre al uso de palabras como instrumento artístico. Sin embargo, contrario a Holzer, Eerdekens no busca infiltrar mensajes de importancia sociopolítica en sus textos, sino que más bien pareciera querer entretener al público creando una ilusión óptica. De un enredo de espirales de cobre elevados paralelos a la pared de la Galería Spencer Brownstone surge, con el uso de la luz, una sombra en forma de palabras. Es como un truco de magia ver nacer texto de un nudo que no parece tener sentido.
A través de la feria, se encontraban varias obras de Anish Kapoor, quien hoy en día es considerado por muchos el representante más significativo de la escultura británica contemporánea. Tanto Barbara Gladstone Gallery de Nueva York como Lisson Gallery de Londres mostraron las esferas cóncavas de colores intensos y uniformes con superficies pulidas que se adentraban en las paredes de las galerías. Hechas de aluminio, acero inoxidable y laca, las esculturas muestran el reflejo del espectador y crean un efecto de fusión distorsionado en el que el público se convierte en parte de la obra. Otro artista ampliamente representado fue el norteamericano Donald Judd, considerado como uno de los creadores más importantes de la post-guerra. Su obra es entendida como uno de los principales ejemplos del minimalismo por la búsqueda de la pureza de las formas y el color.
Las esculturas de madera del alemán Stephan Balkenhol ocuparon espacios de distintas galerías, como Johnen + Schöttle de Alemania y Barbara Gladstone de Nueva York, entre otras. Balkenhol utiliza un solo bloque de madera para dar vida a sus dibujos y esculturas, hombres y mujeres de rasgos bastante ordinarios. Sin embargo, Balkenhol evita utilizar particularidades emotivas que den a entender algún tipo de narrativa; los hombres y mujeres que construye carecen de emoción, manteniendo miradas distantes y semblantes sombríos. El acabado de las esculturas es tosco y áspero, que al combinarlo con el sosiego de las obras provoca una sensación de desgaste tanto físico como emocional.
Una vez más, Luis Adelantado presenta un grupo de jóvenes artistas españoles y latinoamericanos entre los cuales se encuentran Alexander Apóstol, Priscila Monge y Milagros de la Torre. Predomina la producción fotográfica aunque en esta ocasión mostró además el trabajo en acrílico del mexicano Luis Rodrigo Medina. El artista trabaja con trazos elementales y monocromos que distribuye sobre el lienzo en marañas de líneas o puntos. En la obra Teng ˜-que podría remitir al héroe japonés del siglo XII-, hace una sucesión de puntos rojos hasta atiborrar el lienzo de manera irregular creando el efecto visual de una caligrafía minuciosa.
Mientras algunas galerías intentan exponer la mayor cantidad de artistas que representan, otras se conforman con recortar sus inventarios con tal de dar presentaciones de consistencias más intensas y enfoques acertados.
Tal es el caso del repertorio de artistas cubanos en la Galería Nina Menocal, de México, que cubrió una diversidad de temáticas y técnicas que demostraron la variedad de componentes sociales, emotivos y religiosos del arte cubano. La obra Subasta de René Francisco proyecta imágenes de paisajes cubanos, mujeres y autos antiguos, entre otros, sobre un lienzo de una pintura que muestra una escena típica de una subasta. Plagada de ironía, la obra es una crítica a la persistencia de infiltración del sistema capitalista en Cuba y cómo éste pretende ponerles un precio a los aspectos culturales e intangibles tanto cubanos como humanos. Los pañuelos de Ángel Delgado muestran dibujos hechos con lápiz de color y lapiceros de siluetas humanas, esposas, armas y cuchillos. En 1989, el artista denunció la censura de libre expresión en Cuba, al defecar en un sitio público sobre el Granma, periódico oficial del Partido Comunista Cubano, acto que lo llevó a pasar 6 meses de su vida en la cárcel. Los pañuelos son testigos de la experiencia de Delgado durante su vida de encarcelamiento, en donde los reos le entregaban sus pañuelos al artista para que éste dibujara en ellos historias religiosas o mensajes de amor para sus compañeras que los visitaban en la prisión. Sus pequeñas obras se convirtieron en herramientas de supervivencia, ya que le daban acceso a raciones adicionales de comida, sábanas limpias o cigarrillos.
No podía faltar la obra del aclamado José Bedia, que desde 1993 reside en Miami. Sus pinturas, que no se limitaron a la Galería Nina Menocal, se atienen a su temática predilecta de la figura del hombre atravesando las diversas etapas de su vida, haciendo referencia a la influencia afrocubana de palo monte, religión que Bedia practica hasta la actualidad.
De Miami, Diana Lowenstein Fine Art exhibió obras de Darío Basso, José Bechara, Ángel Marcos, Sterz, Marcelo Mortarotti y Graciela Sacco, entre otros. La obra de Graciela Sacco era un trabajo impactante que mostraba como su técnica de impresión fotográfica y holografía se ha ido sofisticando cada vez más. En este caso la artista usó una proyección para dar a las piezas diferentes niveles.
De igual manera, las galerías Fortes Vilaça y Raquel Arnaud, ambas de São Paulo, dieron un resumen acertado y bastante completo de sus artistas. La Galería Raquel Arnaud presentó al artista Waltercio Caldas. En la obra Simples simples, el artista utiliza delgados cilindros de acero inoxidable para formar una composición sencilla en estructura pero de forma compleja.
En la Galería Fortes Vilaça destacan las obras de Ernesto Neto, Valeska Soares y Vik Muniz. La brasileña Valeska Soares, quien actualmente vive en Nueva York, recurre a las percepciones sensoriales. Por medio de una boca semiabierta, estimula nuestro sentido de olfato en la obra Breath al imitar el olor del aliento utilizando el aroma del perfume de una mujer.
El artista Fabián Marcaccio tuvo modesta representación en la Galería Gorney Bravin + Lee de Nueva York. La obra que se presentó, Male Paintant, es parte de la serie del neologismo “pintantes”, término creado por Marcaccio para referirse a las pinturas mutantes que no limitan su carácter abstracto a las regulaciones tradicionales de lo pictórico. Sin embargo, las dimensiones de Male Paintant son pequeñas en comparación con los otros pintantes de Marcaccio; de manera paralela a Art Basel Miami Beach, la obra Miami-Paintant, con más de 4 metros de altura, 30 metros de largo y 15 centímetros de grosor, estuvo en exposición en el Miami Art Museum.
Las llantas de automóviles intervenidas por la artista mexicana Betsabée Romero no alcanzaron a ver la clausura de la feria; la venta de las piezas tituladas Rodadas de diferentes latitudes IV dejó un vacío eminente en la galería neoyorquina Ramis Barquet. Romero utiliza automóviles y distintas partes de estos como lienzos, dándoles nuevos significados tanto estéticos como conceptuales. Romero labra sobre el hule de las llantas como si éste fuera cuero puro, dándole valor artesanal.
La galería mexicana OMR atrajo gran atención gracias a la obra del mexicano-canadiense-español Rafael Lozano-Hemmer, Caguamas sinápticas, subescultura 4. La complejidad de nacionalidades del artista empata con su intrincada formación profesional: Lozano-Hemmer estudió química e historia del arte, combinación que ha dado como resultado creaciones interesantes. En Caguamas sinápticas, el artista utiliza 30 botellas de vidrio verde sobre una mesa de madera que está motorizada y controlada por algoritmos. La dirección en la que las botellas giran no es casualidad, sino que el movimiento está programado para que en determinado momento las 30 botellas se alineen y apunten todas en una misma dirección. Caguamas son tortugas marinas, y a su vez, es el término coloquial que se utiliza en México para referirse a las botellas de cerveza a consecuencia del tono verdusco del vidrio.
En la Galería Enrique Guerrero, en un cuarto aparte separado por tres paredes y una cortina, se encontraba el video Crematorio, Fosa común, de la polémica artista Teresa Margolles, quien se ha dedicado a trabajar con morgues y el servicio forense de México durante los últimos años de su carrera artística. La crudeza con la que Margolles trabaja no es capricho ni es en vano. El fin que la artista busca es crear conciencia de una escalofriante realidad que muchos optan por ignorar. La obra de Margolles también se encontraba en la galería suiza Kilchman, en donde se exhibían papeles cubiertos de sangre de cuerpos no identificados.
Quince galerías de ocho países tuvieron la oportunidad de representar a un artista en Art Statements, con el fin de promover talentos emergentes e innovadores. Se destacaron entre las obras de Art Statements la del salvadoreño Ronald Morán y la de la norteamericana Beth Campbell.
La Galería Klaus Steinmetz de Costa Rica presentó la instalación Home Sweet Home de Ronald Morán. El artista recreó los interiores de una cocina-comedor, utilizando elementos básicos como sillas, mesas, muebles y utensilios de cocina. Cada centímetro cúbico de la instalación está cubierto por algodón blanco, afelpando las paredes, el suelo, las sillas, la mesa, los cuchillos. A simple vista, la escena parece estar nevada, y dan al espectador un sentido ficticio de paz y pureza. Sin embargo, una vez que la vista se acopla a la uniformidad del blanco y empieza a estudiar los detalles del cuarto, cae en la realización semiótica del contexto. Sobre la silla hay un cinturón de hombre y en la cocina hay varios cuchillos, y lo que aparentó representar pureza se convierte en macabro: Home Sweet Home alude a la violencia doméstica y al abuso a la mujer.
Al igual que Morán, Beth Campbell recreó en su instalación el espacio físico de una casa, en este caso, el de un baño. Sin embargo, Campbell aborda una temática completamente distinta a la de Morán; la artista materializa el concepto de crisis existencial, en la que la identidad se pierde dentro de la monotonía cotidiana. El espacio de la Galería Kalgsbrun de Nueva York se convirtió en una imitación exacta de un baño que incluye un espejo sobre un lavatorio, un cepillo de dientes, piso de mosaicos, paños y una pared que separa el baño con los baños que siguen. La obra de Campbell es una secuencia de baños idénticos, construidos uno tras otro. La sorpresa es que adonde pensamos que hay un espejo en cada baño, hay en realidad un hueco cuadrado hecho en todas las paredes, con un solo espejo colocado al final de la serie de baños. En otras palabras, la artista nos obliga a reflexionar de cómo perdemos conciencia del pasar de los días, y cómo, consecuentemente, nos convertimos en parte de una rutina.
Art Basel Miami Beach superó la calidad de su corta trayectoria de años anteriores. Este año, la feria contó con una presencia más pronunciada de arte latinoamericano, al igual que con más obras con denuncia política y social. Grandes personajes de la historia del arte, como Pablo Picasso, Andy Warhol, Wifredo Lam y Diego Rivera, entre tantos otros, bajaron el nivel de furor que causaron en la feria durante el año 2002 y el año 2003; más bien fue el interés por los nuevos talentos y por artistas recientemente establecidos lo que pareció conmover más al público. Asimismo, el auge de la feria ha creado expectativas casi imposibles de superar, tanto en lo artístico como en cuanto a las indulgencias sociales.
Scope & NADA
El poder de convocatoria de Art Basel Miami Beach va más allá de su espacio en el Convention Center de la mencionada ciudad. Con esta feria se genera un entusiasmo peculiar por el arte que provoca se originen espacios y eventos paralelos que aprovechan a coleccionistas, artistas, dealers, galeristas y público en general.
Por tercer año consecutivo, Scope Miami —un proyecto que se desarrolla paralelamente a otras ferias de mayor capacidad logística y económica como Armory Show (NY) o Frize (Londres)— se instaló en el TownHouse Hotel.
Al visitar Scope hay que despojarse del concepto tradicional de feria, y buscar piezas a la manera de anticuarios. En estas habitaciones donde paredes, camas y baños quedan tapizados de obras, se encuentran algunas joyas del arte. En este sentido, fue una curiosidad hallar el trabajo de Felipe Jesús Consalvos/Fleisher/Ollman Gallery, con obras de entre los años 1920-1950, hechas en collages con marquillas de tabacos, imágenes de libros y textos que recrean escenas costumbristas típicas de la época entre la mulata y el negrito. Estas piezas fueron descubiertas por un coleccionista privado a comienzos de la década de 1980, y esta es la primera ocasión en que son expuestas al público.
Dos propuestas altamente interesantes, muy centradas en la situación económica de América Latina, fueron las que presentaron Art&Idea, de México, y Daniel Abate, de Argentina. De Art&Idea, Máximo González (argentino radicado en México) y Mercedes Gertz (mexicana radicada en Los Ángeles) utilizan los billetes de Costa Rica, México o Argentina para crear nuevas geografías, descomponiendo los paisajes estampados en los billetes y reelaborando nuevas figuraciones con su intervención. En otros casos, utilizan la moneda para hacer banderitas, mostrando un excelente trabajo en el corte artesanal del papel. Este discurso consciente comenta la crisis económica, la incapacidad de la moneda, por su devaluación, para cubrir las necesidades del individuo, planteando como alternativa su descomposición y reconceptualización, revaluando con ello toda la iconografía que representa.
Daniel Abate Galería presentó 3 x 1, una propuesta de vender tres obras de arte por el precio de una, igualando la tasa de cambio de la moneda argentina con respecto al dólar, y las implicaciones que ha tenido esta situación en el arte.
De México, Ricardo Reyes Arte mostró obras de Gabriel de la Mora, Fernando García y Alonso Mateo. Este último con trabajos que tienen que ver con el glamour del diseño de modas, recreando, entre otros diseñadores, la moda de Gianni Versace; un trabajo que muy pocos artistas se atreven a asumir por temor a caer en la banalidad, pero que Alonso Mateo sabe manejar con impecabilidad, tanto en factura como en concepto.
Otro espacio dedicado a artistas latinos, en su mayoría cubanos, fue el de Alberto Magnan, un art dealer que tuvo un espacio en Nueva York y que está retomando su participación en ferias. Este proyecto incluía algunas obras significativas de artistas como Ernesto Pujol, Arturo Cuenca y Raúl Cordero. De Miami, Leonard Tachmes Gallery, trabajó con las obras del colectivo MSG Newness, una agrupación de alrededor de 12 artistas que trabajan varias manifestaciones del arte, como fotografía, video, instalación, música, pintura y dibujo. Estos creadores tienen como característica trabajar las piezas y mantener su intervención personal como anónimo.
The New Art Dealers Alliance Inc. —NADA— realizó su segunda edición durante las mismas fechas de Art Basel Miami Beach 2004; en esta ocasión tuvo lugar en Ice Palace Film Studios, bajo la dirección de Heather Hubbs. Nada contó con una participación de cerca de 61 galerías de diferentes lugares del mundo.
Entre las propuestas destacaba la de Momenta Art de Brooklyn, comentando sobre factores económicos vinculados a la obra de arte, y el impacto del 11 de septiembre. El artista Rainer Ganhl envió cerca de 100 postales a la galería, con la imagen de las torres del WTC. Lo curioso del hecho es que él mismo hizo sus propios sellos, que llevaban inscripciones como “Al Qaeda” o “Afganistán”. Estos sellos pasaron inadvertidos para el Servicio Postal de los Estados Unidos, y en su mayoría, las tarjetas arribaron a la galería.
Luis Gispert y Jeff Reed/Zach Feber Gallery presentaron imágenes de un proyecto conjunto que están realizando para el Whitney Museum, un corto de ficción y terror, cuyo protagonista es la historia del arte americano.
Sin duda ambas ferias complementan de manera eficaz la visión renovadora y contemporánea que aporta Art Basel Miami Beach, y generan espacio para disfrutar de un arte joven y experimental, con alto nivel artístico.
CARINA GALLEGOS
Periodista, artista y crítica de arte.
MARISOL MARTELL
Historiadora y crítica de arte. Asistente de dirección de ArtNexus.