La IX Bienal del
Mercosur, inaugurada el 12 de septiembre pasado, trajo para el público una
reflexión en torno del lema Si el tiempo lo
permite
(Se o Clima for favorável, Weather
Permitting), con la intención de sugerir que diferentes climas –el
atmosférico, el emocional y el político– están en el centro del proyecto
expositivo. La curadora general, Sofía Hernández Chong Cuy, explica que el
clima no es meramente una preocupación de naturaleza ecológica y económica,
sino también una sustancia material, física y psicológica que afecta a las
personas. Según dice, el clima afecta y actúa como si fuera una lengua,
procesando ideas en imágenes o articulando figuras de lenguaje que expresan
“atmósferas” emocionales y “climas” políticos. Con esta intención, y buscando
evidenciar para el público visitante esos tipos de “perturbaciones
atmosféricas”, ella propuso, junto con su equipo de trabajo1, construir la exposición en tres vectores:
1) Portales, Previsiones y Archipiélagos, una exposición
de arte contemporáneo presentada en cuatro espacios culturales de la ciudad; 2)
Encuentros en la Isla, una serie de
discusiones y publicaciones que sucedieron durante la preparación de la bienal,
y 3) Redes de Formación, un programa
pedagógico de gran espectro, dirigido a todo el estado de Rio Grande do Sul,
donde se realiza el evento.
La IX Bienal del Mercosur concentró su estrategia en el binomio “naturaleza-cultura” y reunió obras históricas y trabajos actuales, cuya gran mayoría fueron creados especialmente para este certamen. Eso se hizo con base en un programa denominado Máquinas de la Imaginación, desarrollado con empresas, centros de investigación y comunidades en Brasil, promoviendo residencias de artistas y la posibilidad de construcción de trabajos especialmente pensados para el evento. El foco principal de este programa se centró en la relación del arte con la tecnología. El principal punto de referencia fue un proyecto pionero, desarrollado en la década de 1960 en el LACMA –Los Angeles County Museum– en Estados Unidos, titulado Art and Technology. Para promover el programa de producción de obras de arte y tecnología para la IX Bienal, también se realizaron investigaciones en los archivos de la Getty y la Tate Modern, en torno a exposiciones como Experiments in Art and Technology.
El Programa Máquinas de la Imaginación, como dice Bernardo José de Souza, del equipo curatorial, fue un mecanismo para compartir informaciones, rearticular conceptos y dinámicas de trabajo que se constituyen en necesidad fundamental, cuando se realiza la creación de obras de arte con alta tecnología. En este sentido, las cuatro décadas que separan el evento pionero del LACMA y la IX Bienal del Mercosur evidenciaron el proceso de transformación de las nociones de avance económico, progreso científico y desarrollo tecnológico.
La curaduría tuvo la intención de identificar y proponer una reformulación de la comprensión de los sistemas de experimentación e innovación, observando los recursos naturales y las culturas materiales bajo una nueva luz. Y quiso especular sobre cuáles son las bases que marcaron las diferencias entre descubrimiento e invención. Su objetivo fue plantear preguntas ontológicas y tecnológicas por medio de las prácticas artísticas.
El lema Si el tiempo lo permite, propuesto por la curadora general, Sofía Hernández Chong Cuy, se abrió, entonces, hacia esta orientación, suscitando principalmente trabajos experimentales que re-pensaran las dimensiones del impacto tecnológico, y también, en algunos casos, proyectos que pusieran el foco en los efectos de la tecnología sobre la naturaleza.
El comentario sobre algunas de las obras expuestas permitirá internarse más en el espíritu de esta bienal.
El dúo Allora & Calzadilla (Allora, Filadelfia, EE. UU., y Calzadilla, San Juan, Puerto Rico) compareció con la obra Ten Minutes Transmission (Transmisión de 10 minutos), de 2003. Se trata de una antena para establecer comunicación con la International Spatial Station –ISS–, que está constituida por centenas de ganchos de alambre, un sistema de radioaficionado y un programa de computador. Es una “estación escultura” que busca establecer contactos. Cada 90 minutos, la ISS da una vuelta en torno de la Tierra, siendo accesible por 10 minutos, en la coordenada donde está la antena. En este momento se podía intentar la comunicación. En el tiempo restante, la antena captaba frecuencias de radio que podían ser oídas por los visitantes de la muestra.
Este trabajo tiene un fuerte sentido crítico al control de la comunicación en el ambiente espacial, pero también demuestra la posibilidad no oficial y no gubernamental de acceso a este espacio que se pretende regulado y controlado.
Otro ejemplo de propuesta creada en el contexto del Programa de Arte y Tecnología implantado por la Bienal del Mercosur está relacionado con el proyecto de Rodrigo Derteano (Ginebra, Suiza. Vive en Lima, Perú). En el trabajo presentado en la bienal, este artista contó con la participación de Jorge Villacorta, de Uruguay. El título de su propuesta –Alta tecnología andina– remite al programa de una organización cultural, no gubernamental y sin fines de lucro, existente en Perú, que se propone contribuir al desarrollo de una cultura basada en medios electrónicos.
Los dos artistas trabajaron en el proyecto Ciudad Nazca, de Derteano, cuya inspiración son las líneas de Nazca (antiguos geoglifos trazados en la superficie del desierto peruano, por el pueblo del mismo nombre). El proyecto consistió en programar un vehículo robot para trazar el mapa de una ciudad imaginaria sobre la superficie del desierto peruano, describiendo el crecimiento de una ciudad ficticia. La ciudad imaginaria se trazó en la localidad de Huarney y se puede apreciar a partir de una determinada altura, con herramientas como Google Maps. El dibujo del mapa de la ciudad Nazca será borrado por la acción del viento, y no se pretendió dejar marcas.
Audrey Cottin (Saint-Mandé, Francia. Vive en Bélgica) fue a la bienal con el trabajo Operating Theatre. Se trata de una propuesta fuertemente inspirada en las series televisivas; se estructura mediante episodios que revelan al público aspectos de su acción performática. Muchas de sus acciones se derivaron, parcialmente, de las investigaciones sobre dislexia adelantadas por el Instituto del Cerebro, pero la artista también tuvo en cuenta el trabajo de obreros de una fábrica de resina, celulosa y papel, que la recibió para la realización de su proyecto. Este trabajo se presentó como “un proceso de acción colaborativa”, e incluyó artistas, profesionales o comunidades que contribuyeron al resultado final de la acción performática propuesta por Audrey Cottin. En este trabajo presentado en la IX Bienal, la artista reclutó alumnos y profesores de facultades de Cine, como también actores y funcionarios de la empresa Irani. Todos llevaban a cabo acciones en su Operating Theatre. Cottin se basó en una antigua práctica del siglo XIX, según la cual los médicos demostraban públicamente sus técnicas de trabajo quirúrgico en auditorios repletos de alumnos y espectadores. La propuesta consideró también los protocolos recientes relativos a la medicina a distancia (e-health). Las acciones de Audrey Cottin fueron transmitidas en vivo, vía internet, para el público presente en los espacios de la IX Bienal.
Beto Shwafaty (São Paulo) desarrolló su trabajo rememorando la contribución de Adriano Olivetti, cuyo ingenio creó la máquina de escribir Olivetti, objeto mecánico destinado a apoyar el trabajo administrativo, pero que también proporcionaría a la sociedad esparcimiento y cultura. El artista consideró las prolongaciones que, después de la muerte del inventor, ya en la segunda parte del siglo XX, se dieron en la empresa, cuando ésta intentó invertir en el campo aún emergente de la informática y la electrónica. La observación de Shwafaty enfoca el potencial de comunicación y transformación, de gran impacto social, que aquel invento proporcionó.
El trabajo de Beto Shwafaty se registró con el título Estudios para el proyecto Foundations of the Design Substance: Cultural Metaphors to Design a New Future y se basó en los archivos de imagen de la Olivetti.
Cao Fei (Cantón, China. Vive en Pekín) elaboró su propuesta enfocándose en la experiencia de trabajo en las fábricas. Construyó una instalación con árboles en los que colgó uniformes, fotografías de funcionarios y dibujos hechos por ellos, entre 2005 y 2006 (época en la que el artista se aproximó a los empleados de la OSRAM China Lighting Ltda., en Cantón). La propuesta de la artista se realizó en el contexto del proyecto de la empresa Siemens, titulado What Are You Doing Here? (¿Qué hace usted aquí?).
La OSRAM es una subsidiaria de la Siemens que, en 1987, estableció el Siemens Art Program, con el cual buscó promover la comunicación de sus empleados con artistas chinos. La idea era que trabajasen junto con empleados de la empresa en aquel país. Se pretendía reflexionar sobre el ambiente de trabajo y el sistema de producción.
En la instalación de la artista en la bienal, en el entorno del área en donde estaban los árboles, con objetos y fotografías, había en las paredes pequeños textos con poemas o breves narrativas de historias que revelaban sueños y utopías. Había también etiquetas con textos pegadas a las ropas expuestas. Todo eso hacía que el espectador pensara en la vida de esos trabajadores tal y como acontecía en el período de residencia de la artista en esa fábrica, situada en Foshan.
El trabajo de Cao Fei también generó el video Whose Utopia, con música intercalada al ritmo de las máquinas de trabajo.
Daniel Santiago (Bogotá, Colombia) participó en 2012 en un programa de residencia en la ciudad de Toronto (Canadá), donde desarrolló el proyecto Tesoro, diálogo entre tiempos. Produjo un video en el que aborda cinco aspectos: la reproducción de un cuaderno de planeación del proyecto, una secuencia de imágenes que catalogan objetos y registros de viaje de Bogotá a Toronto, la acción de hundir el barco y botar el tesoro, una escena en la que registra un perro haciendo un hueco, como buscando ese tesoro. Su propuesta registra así el paso del tiempo; se presenta como un diario de campo, con la memoria de los lugares recorridos, el recuerdo de una experiencia vivida, donde se mezclan realidad y ficción.
David Zink Yi (Lima, Perú. Vive en Berlín) elaboró su propuesta a partir de las fábulas populares y de la narrativa literaria de Julio Verne y Herman Melville, sobre los monstruos del mar, difíciles de ver, pero que cuando aparecen causan tensiones dramáticas. El personaje de su instalación es un calamar gigante, especie que llega a la costa morir. En verdad, más que terror, el calamar revelaría el drama de la extinción y la soledad.
El calamar gigante de David Zink pesa 300 kilos y mide cerca de seis metros. Se colocó sobre el piso del espacio expositivo, sobre un charco de tinta hecha con resina oscura. Fue confeccionado en cerámica con terminado en cobre y plomo. La sensación de realidad es intensa para el espectador.
Guillermo Faivovich (Buenos Aires, Argentina) y Nicolás Goldberg (París, Francia. Vive en Buenos Aires) trabajan desde 2006 con materiales relacionados con la historia real e imaginada del meteorito Mesón de Fierro, cuya existencia fue documentada por los conquistadores españoles en 1576, cuando exploraban la región de Santiago del Estero y del Chaco, en Argentina. Pensaban que el inmenso objeto había emergido de una mina subterránea, y de ahí su nombre. El meteorito ha sido objeto de especulación científica a lo largo del tiempo. Está registrado en dibujos, mapas e historias de expediciones, pero habría desaparecido en 1783.
En la exposición de Porto Alegre el meteorito fue creado en formas espectrales, discursivas y materiales. Se retomaron, leídos, relatos del pasado, en el programa Encuentros en la Isla, que integró el proyecto de la Bienal de 2013. Faivovich & Goldberg hicieron una pintura gigantesca, a partir de un dibujo de 1983, que integró la exposición en el segmento Portales, Previsiones y Archipiélagos.
Este segmento, en donde se presentaron obras contemporáneas e históricas, tuvo lugar en los espacios del Museo de Arte de Rio Grande do Sul (MARGS), en el Santander Cultural, en el Memorial de Rio Grande do Sul y en el edificio de la planta del Gazómetro.
Deben destacarse las obras históricas de Rauchenberg, Takis, Hans Haacke, Marta Minujin, Mira Schendel. Fueron consideradas como fuerzas gravitacionales de la exposición y su presencia atrajo la atención de los visitantes.
Una serie de performances marcaron los primeros días de la IX Bienal. Tuvieron lugar en espacios públicos, como la Plaza de la Aduana, en donde se ubican tres de las instituciones que acogieron la exposición Portales; en las márgenes del río Guaíba y en otros lugares, como la planta del Gazómetro o la Casa de Cultura Mario Quintana.
La IX Bienal presentó 59 artistas de varios países, no limitándose a América Latina. Cada uno de los espacios que acogió la muestra reunió en torno de 10 a 15 participantes, con amplio espacio de exhibición.
En esta bienal no hubo gran preocupación por la expografía, que había sido un punto alto en certámenes anteriores, con proyectos realizados por especialistas y siempre adecuados a las propuestas curatoriales. La expografía tiene máxima importancia para ofrecerle al público pistas de recorridos y circuitos en la muestra, favoreciendo la experiencia estética que se da en el curso de la visita. La IX Bienal cerró sus puertas el 10 de noviembre pasado.
NOTAS
1. El equipo curatorial que trabajó con Sofía Hernández Chong Cuy estuvo constituido por Mónica Hoff, Raimundas Malasauskas, Bernardo de Souza, Sarah Demeuse, Daniela Pérez, Julia Rebouças y Dominic Willsdon. Luisa Proença actuó como coordinadora editorial.
LISBETH REBOLLO GONÇALVES
Profesora titular de la Universidad de São Paulo y presidente de la Asociación Brasilera de Críticos de Arte (AICA/Brasil).