Bajo la curaduría de Alma Ruiz, la exposición presenta cinco instalaciones a gran escala de los artistas emblemáticos Carlos Cruz-Díez (Venezuela, 1923), Lucio Fontana (Argentina/Italia, 1899-1968), Julio Le Parc (Argentina, 1928), Hélio Oiticica (Brasil, 1937-1980) y Jesús Rafael Soto (Venezuela, 1923-2005). Al entrar a la exposición, el espacio es "activado" luminosamente (como Willoughby Sharp describiría la obra de Fontana) por Struttura al neon per la IX Triennale di Milano, 1951, la cual se trata de uno de los primeros experimentos de Fontana con instalaciones de neón, después del conocido Ambiente espacial con luz negra, de 1949. Uno de los precursores del uso de la luz (posterior a las primeras esculturas lumino-cinéticas de László Moholy-Nagy en los años veinte y treinta y contemporáneo de las esculturas Madí de Gyula Košice's), Lucio Fontana describió esta práctica como "el comienzo de una nueva expresión". Él fue el primero en utilizar luz artificial en espacios cerrados o "ambientes", y en implementar el uso de un elemento que intentaba acercarse "al hombre de las calles", debido a su uso comercial para decoración y publicidad urbana.
Estructura al neón consiste en tubos fluorescentes en formas abstractas ondulantes, enganchado al techo, el cual se asemeja a un esbozo o garabato de la trayectoria de la luz en el espacio: la luz tomando forma física como evidencia del movimiento de la luz, o un dibujo realizado de este movimiento para captarlo en tiempo presente. La experiencia sensorial de esta pieza es cinética y luminosa, ya que el movimiento encarna las aspiraciones de la modernidad y la luz de la era industrial. El color y luz (o viceversa) se unen en la experiencia sobre el espacio en la siguiente instalación, que corresponde a la Cromosaturación de Carlos Cruz-Díez, 1965. Cromosaturación es una cámara donde el espectador participa en un ambiente codificado de colores, dividido en diferentes secciones con muros de cada color proyectado. El espectador es inducido a una mezcla visual y cognitiva de luz y color. Esta pieza es antecedente del famoso Laberinto de cromosaturaciones en el boulevard Saint-Germain de París, 1969, a la entrada del metro Odéon, la cual invitaba al transeúnte a participar con el color, visible por dentro y por fuera por la estructura plástica de color transparente de la pieza, hecha así para "afectar al individuo" que participa en el evento. El interés y dedicación de Carlos Cruz-Díez por el color se deriva de técnicas gráficas en sus orígenes como diseñador gráfico en los años cincuenta.
Esta instalación en particular, junto con la de su amigo e interlocutor Jesús Rafael Soto, Penétrable BBL bleu, 1999, y la piscina cromática Cosmococa-Programa in Progress, CC4 Nocagions, 1973, de Hélio Oiticica y Neville D'Almeida, parecieron haber sido las favoritas del público, especialmente de los niños. Mi interacción personal con el Penetrable de Soto se acentuó por el encuentro con una niñita de dos años que entró a la pieza del lado opuesto al mío, y la cual estaba quizá en el mismo estado de júbilo que yo, pero lo demostró mejor y más libremente en una efusiva explosión de carcajadas, la cual me hizo pensar en la manera limitada y reprimida en la que los adultos viven el arte que fue hecho para despertar nuestras mentes y nuestros sentidos. La pieza de Soto continúa con la idea de la interacción por el color en un estado físico, ya que la instalación es un cubo con tubos de nailon azules por los cuales el espectador tiene que pasar, tocando y siendo tocado por color puro, y teniendo así una experiencia fundamental o primitiva con el color.
Detrás de la Cromosaturación de Cruz-Díez, se encuentra la pieza Lumière en mouvement-installation, 1962, de Julio Le Parc, la cual está dentro de un pasillo semicircular oscuro donde la luz se vive como una espectáculo de reflexión y refracción. Le Parc es uno de los exponentes principales del arte Op y cinético, basando su obra en principios científicos para invitar al espectador a participar en experiencias sobre percepción y movimiento. Este móvil, refabricado en 2010 para su instalación en el Geffen, se enfoca en la experiencia "visual omitiendo la anécdota"—tal como lo menciona Le Parc en una entrevista con Alma Ruiz en la página web de MoCA—, dado que todas las piezas en esta exposición, representantes de arte cinético y luminoso, no intentan contar una historia sino que están basadas en la experiencia y presentan a la luz, el color y el movimiento como fenómenos autónomos.
Para terminar, la instalación más exitosa en cuanto a interacción con el público es la piscina refabricada de Hélio Oiticica y Neville D'Almeida, Cosmococa-Programa in Progress, CC4 Nocagions, 1973. El espectador es invitado a traer su propio traje de baño o adquirir uno desechable a la entrada de la instalación, añadiendo un elemento de entretenimiento y accesibilidad que no es costumbre en los museos, donde la gente usualmente es invitada a "no tocar" las obras de arte, y aquí el propósito de las piezas en la exposición es exactamente lo contrario. Oiticica es conocido por sus penetrables, que, a diferencia de los de Soto, se trataban de carpas y/u objetos que se podían poner como ropa, y se podía danzar con ellos. La relación sensorial de Oiticica no estaba "limitada" a los experimentos de luz y color, sino también con el espacio como una experiencia corporal, con la inclusión de la música y la danza. La cineasta brasileña Neville D'Almeida colaboró con Oiticica en los sesenta y setenta, produciendo obras que son antecedentes del arte conceptual en video e instalación, como lo es esta piscina, que se acompaña con imágenes proyectadas en las paredes, con sonido y color proyectado dentro de la piscina.
Las cinco instalaciones parecen y se sienten independientes una de la otra, o hasta desconectadas, puesto que no representan un período específico en el tiempo pero son casos o ejemplos para demostrar la tesis de la exposición. Mientras que el visitante viaja a través de ellas como "estaciones" sensoriales que han sido puestas una al lado de la otra sin ningún orden cronológico, transición, o de tema aparente, es invitado a hacer sus propias conexiones y a entender su propósito basado en sus interacciones con las piezas. Algunos artistas como Alejandro Otero y Gego (quienes también fueron parte del proyecto de vanguardia en Venezuela junto con Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Díez) se sintieron ausentes de esta selección de artistas y obras representantes de los primeros experimentos luminosos, de color, espacio y abstracción en Latinoamérica, pero la exposición logra presentar al espectador la gran oportunidad de vivir el arte como un "conocimiento sensorial de lo inmaterial", como Jesús Soto dijo alguna vez.
Fotos: Iwan Baan.
SELENE PRECIADO