La mirada azul de Lygia Pape conserva la refulgente luz del Arraial do Cabo, en donde centellea el mar junto a la blancura de las dunas y las salinas. Bajo la claridad tropical, la geometría de las sombras y la interacción dinámica de los planos de color dejaron huellas indelebles en su sensibilidad. Después vino la gran ciudad, Río de Janeiro; no solamente el barrio de Copacabana y el Museo de Arte Moderno; también los tugurios que, construidos como casas de naipes, se apilan colina arriba; el entrar y salir de almacenes, de los túneles; las seducciones de la calle: situaciones urbanas que Pape llamó espacios, campos de fuerza, como la Baixada Fluminense.
Su obra reciente, rebosante de vitalidad, es el resultado de la acumulación de experiencias vividas en el espacio indiferenciado del arte y del no arte. Libre tránsito entre la intención y el azar, la atención y el devaneo. Expansión de un proceso iniciado dentro del concretismo en los años cincuenta, que se desdobla en el experimentalismo neoconcreto hasta el sesenta y tres, y sigue transitando por el cine, por la programación visual y aún más, creando cajas, objetos, acciones, instalaciones, con el total dominio de la pluralidad de los medios expresivos.
En 1968 hubo una gran muestra al aire libre en el Relleno de la playa de Flamengo; allá bailaban los Paran- golés de Helio Oiticica y se rompían ios “huevos” inventados por Lygia. Eran cubos en azul, rojo y blanco, y del interior de cada uno de ellos emergían una cabeza y unos brazos, rompiendo la película de color y el cuerpo saltaba hacia fuera.
En la actual producción de Pape las formas saltan a los ojos, invaden el espacio como brotes vegetales que responden a la determinación genética. Del plano adherido a la pared o al piso se proyectan fragmentos o una forma plena. Así, de un disco verde sobre el muro, se destaca otro que cuelga como una flor de girasol; de dos semicírculos rojos apoyados en el suelo nacen, como champiñones, círculos menores. El principio gestáltico de la simplicidad orienta el desarrollo topológico de formas bldimensionales cuya evolución conduce a la tridimensionalidad.
Eat me es de 1975; en una película y dos exposiciones la artista trabajaba con objetos del deseo: fotos eróticas, manzanas, vellos y cabellos, frascos de perfume, senos postizos y mucho más, dispuestos en vitrinas y bolsitas plásticas. Los trabajos de hoy, aunque desprovistos de intención representativa o simbólica, también son seductores. El ojo tantea las formas alentado por el color y cae en todas sus trampas. Con frecencla, el mismo color se usa para la superficie plana y sus proyecciones, acentuando la continuidad física de la forma en el espacio. Las cintas de metal sujetas a las placas son chorros de color o sugieren negras cabelleras; el color saturado sobre recortes en lámina de hierro da una sensación de protuberancia, de volumen virtual.
Lygla Pape manifiesta en esta área una poética de visualidad construida, radical y experimental. Los materiales lámina de hierro y pintura para automóviles son medios empleados en la articulación de los elementos constitutivos de la obra. La dinámica puramente plástica, fundada en el comportamiento gestáltico, lejos de parecer rígida invita al compromiso sensorial del espectador. La ambigüedad entre la condición despojada de estas obras y la atracción casi hipnótica que ejercen sobre el observador, constituye la escencla del pensamiento plástico de la artista.
Lygla evidencia la paradoja: usa un repertorio de conceptos ópticos y estructurales sólidamente adquiridos para movilizar la emoción. En este caso no hay reducción posible al formalismo ni a ningún otro “ismo”, aunque la estética constructivista esté innegablemente en su raíz. La construcción no se orienta únicamente por procesos racionales, pues en ella coexisten la fantasía, lo lúdico, lo sensual. En el conjunto de la obra de Pape, todo lo que fue es...es como nunca fue.
MARIA ALICE MILLIET
Traducción de Pía de Ramos