El Museo de Arte Contemporáneo de Chicago presentó Escultura Social: A New Generation of Art from Mexico City, (Una nueva generación de Arte en Ciudad de México) una exposición de obras contemporáneas de artistas cuyas carreras se cristalizaron durante el mismo periodo (1995-2005). Antes de enfocarse en un estudio global del arte contemporáneo de Ciudad de México o de intentar separar un movimiento de arte definitivo, la curadora Julie Rodríguez Widholm reunió las nuevas obras de reconocidos artistas mexicanos contemporáneos que han expuesto en el exterior y han impactado el escenario artístico contemporáneo de todo el mundo.
A diferencia de otras exposiciones que presentan obras de artistas mexicanos, ésta se preció de exhibir obras que no se catalogan fácilmente como mexicanas. Aunque Escultura Social era la primera exposición colectiva de arte mexicano llevada a cabo por el museo, no trató de acentuar una única identidad mexicana o un tema. En lugar de eso, los artistas que se presentaron comparten un rasgo común: el de estar inspirados por eventos y movimientos artísticos específicos del siglo veinte. Rodríguez Widholm ilustró esta idea con ayuda del concepto de escultura social, de Joseph Beuys, que apunta a redescubrir formas de definir qué es el arte. Todos los artistas representados en Escultura Social manifiestan aproximaciones a lo que significa hacer arte que van más allá de la preciosidad de un objeto en particular y abordan temas más amplios relacionados con la conciencia social y la participación del espectador por medios conceptuales.
Al agrupar el arte en cuatro galerías temáticas separadas, la exposición buscó clasificar las obras en temas que compartieran una afinidad con la obra y las prácticas de Beuys. La primera galería, El lenguaje como texto, resaltó obras de arte que se centraban en la noción de la palabra como imagen. La interpretación más literal de esto la ilustró Untitled (Coloring Book), de 2007, de Julieta Aranda. El encabezamiento “llene los cuadros con el color indicado” se leía encima de una rejilla de vinilo de 10x14 pies que delimitaba cuadros en blanco. Al lado de cada cuadro había un color textual que el espectador debía interpretar (como Splish Splash, Nostalgia, or Bon Voyage). Los colores eran nombres de colores de pinturas que se encuentran en el comercio y que la artista ha reunido. Siguiendo el ejemplo del conceptualismo de la década de 1970, Stefan Brüggemann construyó una pieza de cuarenta y cuatro pies a partir de caracteres de vinilo fijados a la pared, un poco al estilo de la obra de Aranda y con una temática similar. Sus Explanations (2002), cortesía de la colección Jumex, proporcionaba un texto con el fin de despertar imágenes; en la pieza se leía: “TODAS MIS IDEAS SON IMPORTADAS/TODOS MIS PRODUCTOS SON EXPORTADOS/(TODAS MIS EXPLICACIONES SON BASURA)”. A la inversa, Abraham Cruzvillegas le dio al espectador una imagen sin palabras que lo animaba a crear su propio texto para completar la obra. Rond Point (2006) era una construcción de botellas en medios mixtos que mantenían erguidos postes direccionales con carteles de bordes filosos y terminados en punta que no llevaban escrito ningún texto, con lo cual uno podía proyectar sus propias direccionales en los carteles.
La noción de cultura popular como catalizador del proceso de hacer arte se exploró en la segunda galería, Medios populares y performance. Se hizo alusión a un aspecto menos serio de la cultura pop mediante obras que desdibujaban los límites entre arte y medios populares. La pieza Sixteen (2004), del dúo de artistas Los Súper Elegantes hacía exactamente eso en un video musical dirigido por Miguel Calderón que presentaba a dos artistas actuando en una historia de amor inspirada en una telenovela, acompañados de su propia canción pop original. Para contrarrestar nuestras acarameladas nociones de cultura pop, Escultura Social también presentó obras que le pedían al espectador que pensara en la similitud entre realidad y fantasía. Los guerreros (2007), del grupo Nuevos Ricos (del que un tercio es el artista contemporáneo Carlos Amorales) le planteó al espectador esta yuxtaposición en forma evidente al exhibir, unas al lado de las otras, impresiones digitales de fotos fijas de la película de 1979 Los Guerreros y fotografías de archivos periodísticos de la cultura de las pandillas mexicanas durante la década de 1980. Escogiendo un formato anticuado para filmar su película de 16mm titulada Escarabajo, (2005), Damián Ortega empleó uno de los automóviles más comunes del país, el Volkswagen Escarabajo, que es fabricado en Puebla, como símbolo de la producción y el consumo mexicanos. Escarabajo, la tercera entrega de una serie de videos, mostraba el vehículo serpenteando por el terreno hasta cuando fallecía y era enterrado.
Transformación y objetos cotidianos presentó obras que cuestionaban el valor de un objeto y reinterpretaban la función y el significado de un artículo. En Untitled (Gobelino empalmado) (2006), Gabriel Kuri tomó un objeto cotidiano, un recibo de almacén, y lo transformó en un gobelino tradicional de doce pies. La obra reflexionaba sobre las ideas de consumo y mercadería sin comentario social ni imágenes industriales; en lugar de ello, el artista tomó cosas efímeras de la vida diaria, el recibo de una máquina registradora, y lo transformó en un objeto de importancia histórica a través de su medio. El proceso de tejer gobelinos a mano se remonta a la Francia del siglo diecisiete, y se conserva en un solo estudio en Guadalajara.
La cuarta galería, Compromiso social, consideró de una manera más libre el papel del arte como mediadora entre los pueblos y entre éstos y los lugares. Leverage (2006) y Klein Bottle Capula (2007), de Pedro Reyes, eran obras que requerían la participación y el compromiso del espectador debido a que las dos funcionaban de manera similar a como lo hacen objetos instalados en parques infantiles comunales. Model of Soumaya Museum (2007), de Fernando Romero, demostró la experimentación formal del arquitecto con el espacio en una estructura diseñada para albergar el arte de una fundación privada.
Escultura Social: A New Generation of Art from Mexico City logró reunir la nueva obra de artistas mexicanos contemporáneos que están manteniendo su estatus internacional sin tener que recurrir a imágenes neomexicanistas. El concepto de la curadora de concentrar a artistas que participaran en un diálogo que se centrara en el arte del siglo XXI se vio claramente. Sin embargo, relacionar una sola obra con el legado de Joseph Beuys no se deduce de manera tan fácil.
BETH MARRIER