Photo España se ha convertido, al cabo de 9 años de existencia, en el más importante acontecimiento artístico y a la vez mediático de Madrid, eso si exceptuamos ARCO, su feria de arte contemporáneo. Y no sólo porque Alberto Anaud –su director general– ha tenido durante todos estos años la suficiente habilidad política como para lograr que a pesar de todos los recelos, reticencias y las desconfianzas mutuas se hayan ido uniendo a éste tanto los distintos museos y centros de arte de la ciudad como la mayoría de las ciento y pico de galerías de arte de esta No: también ha importado en su transformación en una encrucijada imprescindible de la actividad artística de Madrid el hecho de que Horacio Fernández –su director artístico– decidiera hace tres años que Photo España incorporara a su programación general exposiciones, proyectos y actividades que sobrepasaran los límites tradicionalmente asignados a los festivales de fotografía que en España se han construido sobre el modelo inicial del festival de fotografía de Arlés, Francia, todavía tan ejemplar. De allí que PHEO6, la edición de este año, celebrada entre los meses de junio y julio, no sólo haya saturado la geografía expositiva de la ciudad sino que lo haya hecho con exposiciones, entre las cuales las más significativas incluían video, videoinstalaciones, cine de exhibición e incluso música experimental. Tal y como lo explicó Horacio Fernández en la rueda de prensa inaugural de la primera edición a su cargo: el dominio de la imagen —que empezó con la fotografía— ha terminado por desbordarla.
El propio Fernández eligió como argumento, más que como tema de PHE06, la Naturaleza, así, con mayúsculas que subrayaban deliberadamente la importancia que ese concepto ha tenido en nuestra cultura en los últimos siglos. Sólo que de esa compleja urdimbre histórica y cultural él eligió su aspecto sobre todo visual, articulado desde la época de Ruysdael y el resto de los grandes paisajistas holandeses del siglo XVIII, en torno al paisajismo, más que al paisaje. La distinción no es bizantina, aunque lo parezca en un mundo intelectual como el europeo, tan entregado ahora a discusiones equiparables a las que mantenían los genuinos bizantinos sobre el sexo de los ángeles. No, la distinción da cuenta, por el contrario, del hecho rotundo de que entre esos pintores holandeses y los artistas de nuestra época median una cadena de transformaciones históricas que ha puesto en evidencia palmaria que el paisaje es algo más que el asunto o el tema de un género específico de la pintura. El paisaje es, en realidad, el condensado o el producto visual de una actitud contemplativa ante el mundo, que si al comienzo se manifestó sólo en la reproducción de los campos, el cielo o los mares, se proyectó luego con fuerza sobre el resto del mundo. En este sentido lato y no estricto, la fotografía en su conjunto es inseparable del paisajismo. Más aún, es la primera de una serie de revoluciones técnicas en el terreno de la producción de imágenes, cuyo logro más reciente es la imagen generada por computador, y que no han hecho más que expandir y perfeccionar el paisajismo que por primera vez se hizo explícito en la pintura de paisajes. Porque —tal y como se han encargado de subrayarlo oportunamente pensadores tan distintos entre sí como Walter Benjamin, Susan Sontag o Gilles Deleuze— lo que la fotografía hizo en su momento fue lo que los cuadros de paisaje holandeses ya habían hecho en su época y con sus medios específicos: darle importancia a lo que no tiene ninguna. Para la fotografía, como bien se sabe, el tema es cualquier tema, incluidos los más anodinos, intrascendentes o irrisorios. Ésta es una de las consecuencias históricamente más fecundas de la decisión de los primeros pintores paisajistas de centrar sus cuadros en las montañas, los cielos o los mares, que para el resto de los pintores de su época no eran más que simples decorados: escenografías al servicio de unos episodios bíblicos o mitológicos, que eran en realidad el motivo central de los cuadros. Había que cuidarlas, desde luego, pero no por eso dejaban de ser consideradas meras escenografías.
La expansión del concepto del paisajismo, la multiplicación contemporánea de sus ámbitos, medios y recursos, plantea problemas cuando se opta por articular proyectos expositivos en artes visuales en torno a una cierta temática. Porque si todos los temas son equiparables, ¿por qué elegir uno en lugar de otro? ¿Por qué un tema va a importar más que otro? Todavía más radicalmente: ¿por qué elegir las obras que se van a exponer atendiendo más a sus temas que a su concepto o a sus opciones estéticas? Fernández sorteó en PHE06 estas dificultades con una doble reducción: redujo la Naturaleza al paisaje y el paisajismo a los paisajes. Pero esta operación de cierre era insuficiente por reduccionista quedó demostrado por el hecho de que aunque las obras de la mayoría de los artistas y fotógrafos incorporados al programa general de PHE06 tenían como tema central los paisajes naturales, las obras de algunos de los más interesantes sobrepasaban ese marco, adentrándose abiertamente en el paisajismo genérico del que hablé antes. Los casos más notables de este apartamiento lo representaron el mexicano Pedro Meyer, el canadiense Edward Burtynsky y los norteamericanos Joel Sternfeldt y Chris Jordan.
Meyer es una verdadera leyenda de la fotografía mexicana, debido tanto a su sostenido empeño en lograr que México se dotara de los medios y los recursos institucionales suficientes para garantizar el estatuto artístico de esta como por su propia obra fotográfica, rica y variada, tal y como pudo verse en su muestra expuesta en la Galería Fernando Pradilla. Allí pudo comprobarse la extraordinaria variedad de temas y de registros de un trabajo artístico que dura ya medio siglo, pendulando entre el surrealismo, el pop y el neobarroco. Burtynsky es, por el contrario, mucho más joven, y lo que exhibió, en el marco de la exposición Madre Tierra, celebrada en el Centro Cultural de la Villa, hacía parte de la larga serie de fotografías que ha dedicado al vertiginoso proceso de modernización que está experimentando actualmente la China. La pieza central de su exposición la formaban las fotos hechas a la construcción de la presa de las Tres gargantas, la presa más grande el mundo, que, irónicamente, sepultará bajo las aguas cerca de 600 kilómetros cuadrados de algunos de los paisajes más pintorescos e idílicos del gigante asiático.
Joel Sternfeldt y Chris Jordan son ciertamente paisajistas, pero de un paisajismo muy específico, el que da cuerpo al concepto de paisaje social. Sternfeldt es un veterano que, desde sus primeros trabajos enmarcados en la llamada street photography hasta la madurez demostrada en la serie American Prospects, ha ido componiendo un paisaje continuado de la vida americana más prosaica, en el que, sin embargo, intercala con soltura toques irónicos o sentimentales y detalles insólitos. Jordan es también un paisajista de la realidad social norteamericana, sólo que él es un militante de la causa ecológica preocupado por documentar los estragos que causa en el medio ambiente la llamada American Way of Life. De hecho, las fotos que expuso en el Círculo de Bellas Artes de Madrid pertenecían a la serie In Katrina´s Wake, cuyo propósito es dar cuenta del impacto demoledor del Katrina en Nueva Orleans, a través de imágenes escuetas de los incontables destrozos causados por ese huracán.
El propósito de Jordan de rendir cuentas de los estragos de la actividad del hombre, tal y como está ahora socialmente organizada en el mundo, es compartido también por el colombiano Jesús Abad y, en cierta medida, por el brasileño Caio Reisewitz. Abad, que es reportero gráfico, enseñó, en el marco de la exposición colectiva titulada Del paisaje reciente, fotos de su serie Departamento del Chocó, en la que de las consecuencias de la terrible guerra que allí se libra sólo vemos los destrozos causados por ésta en la selva. Reisewitz mostró en Casa de América fotos de la serie Reforma agraria, en la que la estrategia es la misma, por lo que los graves problemas agrarios y medioambientales de Brasil sólo pueden intuirse contemplando imágenes de sus campos devastados y de sus miserables hogares.
Habría que añadir, además, que la exposición Del paisaje reciente incluía también una obra del equipo formado por los artistas brasileños Ángela Detánico y Rafael Laín, que figuró sin duda entre las mejores expuestas en todo el festival. Se llama Flatland, y es un video en el que se ve transcurrir todo un día sobre un tramo del río Mekong, a través de imágenes ralentizadas de una inconmovible belleza. Y habría que concluir diciendo que también participaron en PHE06 artistas latinoamericanos tan notables como Jota Castro, Magdalena Correa, Leandro Elrich, Jorge Macchi y Yoshua Okon. Y que realizaron intervenciones públicas o performances Antonio Gritón y el colectivo conformado por Cristina Dios, Marula di Como y Gabriela Roco.
CARLOS JIMÉNEZ
Escritor y crítico de arte, curador independiente.