Tropicália: A Revolution in Brazilian Culture presenta el arte y la cultura innovadores creados en Brasil a finales de la década de 1960 y comienzos de los setenta bajo el estandarte Tropicália. Aunque sin duda será recordada como la exposición interpretativa acerca de este fascinante momento en el arte y la cultura brasileños, la muestra se rehúsa a caracterizar a Tropicália como un movimiento o una estética, y la presenta, en cambio, como una forma básicamente provisional de crear cultura. La idea de que Tropicália es la creación de cultura mediante el consumo está expresada por el proyecto contemporáneo que le fue especialmente comisionado a assume vivid astro focus y que domina la entrada a la exposición. Un mural tecnicolor (2005) transforma la galería en un viaje psicodélico de temática brasileña, pero imágenes de explotación tejidas en el mural señalan que Tropicália fue un consumo crítico, no un consumo sin sentido. Y el hecho de que sigue siendo útil en la actualidad, es el tema de la exposición.
Aquí se presenta una diversa selección de obras de un abrumador número de artistas, poetas, músicos, diseñadores y arquitectos: Lina Bo Bardi, Lygia Clark, Raymundo Colares, Waldemar Cordeiro, Antônio Dias, Pedro Escosteguy, Rubens Gerchman, Ferreira Gullar, Nelson Leirner, Hélio Eichbauer, Hans Haudenschild, Augusto de Campos, Julio Plaza, Ana María Maiolino, Marcello Nitsche, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Iván Serpa, Walter Smetak y Carlos Zilio. En la exposición están intercaladas obras contemporáneas de artistas a quienes se les pidió que respondieran al tema Tropicália: Matthew Antezzo, Rodrigo Araújo, assume vivid astro focus, Dominique González-Foerster, Lucas Levitan, Jailton Moreira, Arto Lindsay, Marepe, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander, Karin Schneider, Moreno Veloso, Domenico Lancellotti y Alexandre Massot Bassin. Junto con nombres ya familiares, se presenta un considerable número de artistas poco conocidos fuera de Brasil. Se le da casi tanta importancia a la cultura popular como al arte visual. Hay moda, carteles de películas, programas de teatro, revistas populares, portadas de libros y carátulas de álbumes musicales. Además, el curador, Carlos Basualdo, invitó a un grupo de arquitectos jóvenes que trabajan en São Paulo para que diseñaran un sistema de vitrinas y andamios para exhibir las obras. La armazón serpentea por el museo, extendiendo la divertida sensación experimental de las obras y ligando los más de cien objetos que están expuestos.
Las instalaciones Tropicália (1967) y Eden (1969), de Hélio Oiticica, dominan la primera de dos grandes galerías. Debido a que estas dos obras ambientales están instaladas una junto a la otra, como aparecieron en la Galería Whitechapel de Londres en 1969, se mezclan entre sí. Palmeras, arena, tela roja y anaranjada y superficies con diferentes texturas nos invitan a explorarlas. Eden es más ordenada y transparente. Allí encontramos nuestras necesidades domésticas: capas para zamba a las que Oiticica llamó Parangolés, y nidos llenos de heno. Estas instalaciones están emparejadas con una selección de Sensorial Masks (1967), Sensorial Gloves (1968), gafas protectoras (1968) y otras obras interactivas de Lygia Pape, incluídas su cinta de Möbius elástica (1966) y una bolsa plástica llena de agua y conchas marinas (1966). Copias de estos objetos hechas para la exposición se hallan sobre mesas largas, invitándonos a ponérnoslos, tocarlos y manipularlos. En contraste con estas obras interactivas, los discretos dibujos y modelos arquitectónicos de Lina Bo Bardi están colocados sobre una plataforma elevada, lo cual crea un área contemplativa. Sus proyectos de las décadas de 1950 y 1960, presentados como precursores de Tropicália, proponen una arquitectura en la que la naturaleza y formas modernas se invaden orgánicamente una a otra: la artista une el cubo modernista con técnicas de construcción vernáculas, como el techo de paja típico del norte de Brasil.
Mientras que en la primera galería vemos indicios de la forma en que Oiticica y Pape combinaron su creencia en utopías modernistas con su contracultura de las susceptibilidades de la década de 1960, en la segunda encontramos arte sofisticado y cultura popular mezclados por completo. Por ejemplo, una carátula del álbum que popularizó la palabra Tropicália de Oiticica en 1968, titulado Tropicália, ou panis et circencis (Tropicália, Pan y Circo), de Caetano Veloso y Gilberto Gil. (Se pueden escuchar pistas de éste y otros álbumes en una gira de audio). Detrás de esta carátula hay una colección de vestidos de casas de moda parisinas producidos con el tema de Tropicália a finales de los sesenta y principios de los setenta. Están intercalados con arte muy interactivo, como Rodo do embalo maluco (Rueda de las delicias) (1968), de Lygia Pape, en la que se anima al espectador a que pruebe líquidos de diferentes colores. Obras de Antônio Dias, de una despiadada crítica, incluídas Carrasco-o laço eu e você (Verdugo-La soga para usted y para mí) y Nota sobre a morte imprevista (Nota sobre una muerte imprevista) (ambas de 1965) demuestran cómo los artistas brasileños abrazaron el arte Pop como una forma de criticar las condiciones cada vez más opresivas de la dictadura durante los últimos años de la década de 1960 y comienzos de la siguiente. Al fondo de la galería se encuentra una colección de estudios hecha por Hélio Eichbauer para la producción de la pieza teatral de Oswald de Andrade titulada Rei da vela (El rey de la vela), quizás la obra más abiertamente política de la exposición.
La exposición termina con un flashback a los artistas y poetas experimentales que se proclamaron a sí mismos concretistas y neoconcretistas a finales de la década de 1950 y principios de los sesenta. Una pequeña presentación de libros de artistas, pinturas en relieve y objetos producidos por artistas como Ferreira Gullar, Iván Serpa y Lygia Pape contextualiza los materiales de las dos galerías principales al plantear la pregunta sobre cómo, durante los años sesenta, el idealismo utópico de las formas geométricas y el color puro se convirtió en Tropicália, o, en un sentido más general, cómo los ideales del modernismo llegaron a ser la libertad de la cultura hippie psicodélica. Este grupo de obras cimienta la seriedad de Tropicália y nos insta a pensar en forma crítica sobre los últimos años de la década de 1960 y los primeros de la de 1970, un período por el cual normalmente sentimos nostalgia.
Coorganizada por el Museum of Contemporary Art de Chicago, el Bronx Museum of the Arts y el Gabinete Cultura de São Paulo, la exposición estará abierta en Chicago del 22 de octubre de 2005 al 8 de enero de 2006 y viajará a la Barbican Art Gallery de Londres (febrero 15 a mayo 21 de 2006), el Centro Cultural de Belém, de Lisboa (julio a septiembre de 2006), el Bronx Museum of the Arts (octubre 14 a enero 28 de 2007) y otros lugares de Brasil que están por determinarse.
HARPER MONTGOMERY