El Bronx Museum of the Arts presentó AIM 24, Artists in the Market Place (Artistas en la Plaza de Mercado), proyecto modelo y exposición para artistas emergentes, cuyas obras fueron seleccionadas por un jurado que tuvo en cuenta su originalidad y calidad1. Los 36 artistas (escogidos de un grupo de 800) fueron capacitados por especialistas que les brindaron asesoría profesional sobre asuntos prácticos como métodos curatoriales, leyes concernientes a derechos de autor y posibilidades de la exposición y el arte público. Ya en su vigésimo cuarto año, el programa AIM representa el compromiso progresivo del museo de apoyar a artistas emergentes del área metropolitana de Nueva York.
La noche inaugural estuvo llena de nerviosismo y expectativa: uno se preguntaba quién entre el grupo alcanzaría el estatus de importancia de antiguos miembros del AIM como Glenn Ligon (1984), Tomie Arai (1985), Polly Apfelbaum (1986), Fabian Marcaccio (1988), Byron Kim (1990) y Valeska Soares (1993).
No obstante la diversidad de medios, los lenguajes formales y los procesos investigativos, la mayoría de los artistas encontraron sus temas en los espacios entre el arte y la vida; los objetos, las actividades y los eventos cotidianos fueron puntos de partida comunes. Las respuestas artísticas resultantes sugirieron las inagotables formas en que trabaja la imaginación cuando se le da rienda suelta.
A. J. Bocchino (N.Y. Times Headlines) recortó todos los días, durante 14 años, el titular principal de la primera página del Times. La composición resultante de titulares, presentados en conjunto cronológicamente y codificados mediante colores de acuerdo con el tema, se convirtió en un índice de lo que los medios consideraron los eventos más importantes del día. David McQueen trató de un modo diferente incidentes periodísticos altamente publicitados, en su serie The Stocks Project (2003), que presentaba copias digitales de imágenes de acciones de compañías que sufrieron pérdidas financieras significativas como resultado de fraudes corporativos: Enron, Global Crossing y WorldCom. La importancia del lugar para definir el tema fue fundamental para muchos artistas de AIM 24, incluidos Phillip Buehler, Gina Fuentes Walter, Karla Roberts, Valerie Hegarty y Liza McConnell. Buehler le tomó cientos de fotografías al Hospital Psiquiátrico Greystone Park, que fue cerrado hace 25 años debido a recortes de presupuesto. Enfocando el proyecto como si fuera una ruina arqueológica, el artista imprimió dos tomas a larga distancia: una sacada en la mañana y otra después de limpiar en una forma ritualista, como en un performance, las capas de polvo provenientes de la cancha de voleiball, acumuladas por años. Los colores todavía brillantes de las paredes que se están desconchando evocan una extraña mezcla de desamparo, abandono y ausencia. El tríptico de la Neon Series de Gina Fuentes Walter representaba vistas interiores de espacios comerciales indefinidos. Neon Skylight, por ejemplo, captó, desde un ángulo radicalmente inclinado, una vista parcial de una claraboya con largos tubos de luz fluorescente que se perdían en el espacio.
Las luces verdes, fotografiadas con una película que revela diferentes tonalidades de contrastantes temperaturas de color, crearon una imagen surrealista, abstracta. Karla Roberts (Billboard, View #2) fotografió árboles del campo detrás de una valla publicitaria cuyas imágenes estaban alineadas con la vista del transeúnte, de modo que el espectador percibía los árboles de la valla como si estuvieran en el paisaje, creando confusión entre lo real y lo percibido como real. Valerie Hegarty recreó en papel un rincón de su estudio, imitando el diseño de las tablas del piso, el papel de colgadura y la pared donde está instalado su antiguo lavamanos, cuyos fragmentos, esparcidos por el piso, invitaban al espectador a imaginar la configuración del espacio original.
Landscape Painting, de Liza McConnell, estaba instalada en un oscurecido almacén que daba a una galería principal. La instalación en medios mixtos tenía un aire de surrealista, casi de Matta. Al entrar en el salón, el espectador percibía una fragancia de mentol, y su ojo era cautivado por las ilusorias imágenes de un paisaje alpino proyectado sobre las paredes a través de pequeñas aberturas en latas de pintura. Lupas comunes recostadas contra el exterior de las latas parcialmente aplastadas enfocaban sobre las paredes exteriores las imágenes del interior iluminado de las latas, creando una escena panorámica con el empleo de materiales comunes ingeniosamente trabajados a mano.
Objetos comunes y actividades mundanas fueron los puntos de partida de Water, de Shin-Il Kim, y Toasters, de Joel Murphy. Water era un video inspirado en parte por las sensibilidades budistas, y Toasters, una original instalación escultural cinética, inspirada parcialmente en ideas post Dada y la cibernética. Water empezó con la filmación de agua que caía sobre unas manos. Durante la producción, la artista proyectó sobre papel cuadros individuales de vídeo, creando cientos de dibujos lineales prensados. Antes de animar los dibujos, Kim volvió a filmarlos, proyectando luz desde un ángulo lateral, con el fin de que las líneas del papel se hicieran visibles. Las imágenes abstractas de agua corriente generadas mediante este proceso, con el sonido que se emitía en el fondo, eran metáforas de la existencia y la inexistencia, de acuerdo con las filosofías orientales. Los Toasters de Murphy estaban construidos con elementos de tostadoras, gorros plásticos usados en los salones de belleza, y otras partes hechas a mano.
Cuando los elementos generadores de calor estaban encendidos, se tornaban en un rojo incandescente y los interruptores emitían chispas. En ese momento, los gorros, suspendidos sobre los elementos generadores de calor, se llenaban de aire caliente y se elevaban y apagaban el interruptor eléctrico. Al enfriarse el aire, los gorros caían sobre los elementos generadores de calor, reconectando los interruptores e iniciando de nuevo el proceso de dos minutos: gestos poéticos que expresaban equilibrio dinámico.
El video de Marco Roso, One More Time, presentaba dos imágenes de una mujer en estados alterados de conciencia: en uno se le observaba induciendo autohipnosis, y en el otro, en levitación. Empleando técnicas de cine con cámaras ubicadas alrededor de la mujer, Roso creó una ilusión de movimiento adaptada a un latido eléctrico que intensificaban los trances hipnóticos.
Las obras manuales de bajo nivel tecnológico caracterizaron gran parte del arte de esta exposición, de las cuales recuerdo Modular Brackets, elaborada en papel corrugado por Noah Loesberg; Column, de periódicos doblados, de Naz Shahrokh; Metal Sculptures, de Miyoung Sohn, hecha de materiales cotidianos envueltos en papel de aluminio, y Greed, The Landscape Maker, de Phoebe Washburn, construida con miles de trocitos de madera de colores que encajaban formando una estructura semejante a una ciudad.
Gran parte del placer de visitar AIM 24 radicaba en imaginarse los procesos de elaboración que requirieron mucha mano de obra e hicieron uso de un know-how de bajo nivel tecnológico. ¡Bravo! a los artistas cuyos enormes saltos de imaginación son comparables a sus habilidades manuales.
NOTA
1. El comité de selección incluyó a Jackie Battenfield, facilitadora del programa AIM, Lydia Yee, curadora senior; Amy Rosenberg Martínez, curadora asistente; Judi Werthein, artista, y Petra Riviere, miembro del programa de educación. La exposición se llevó a cabo entre el 15 de abril y el 20 de junio de 2004.
JULIA P. HERZBERG