El proyecto Six Feet Under, presentado por White Box, sirvió el doble propósito de continuar introduciendo su nuevo local en Chelsea y el de hacer el experimento veraniego de mostrar proyectos relativamente sencillos de una semana de duración cada uno. Como parte del proyecto, y dado que la galería estaba esencialmente cerrada durante el verano, el público podía ver las obras solamente fuera de la galería y desde la ventana. La serie incluyó a seis artistas propuestos por seis curadores. Como suele suceder en los nuevos espacios, los artistas aprovechan incorporando elementos arquitectónicos o de diseño del lugar para presentar sus obras. La primera obra de la serie, perteneciente a Antonio Muntadas, quizá resume la intención general de la serie y sirve como prólogo adecuado: Warning: perception requires involvement (Advertencia: la percepción requiere participación); consiste en un simple letrero de vinilo presentado en la galería a manera de letrero de emergencia. Muntadas pone el dedo en la llaga del problema perceptual, cuestionando un sistema artístico que asume que el espectador merece una recompensa inmediata de una obra, sin necesidad de hacer un esfuerzo por entender realmente, y especialmente por compenetrarse íntimamente con ella. Con toda la ironía intencional del caso, el texto se nos presenta como un signo de emergencia, dado que, se presupone, estamos tan adormecidos por el arte predigerido, que algo distinto nos puede parecer peligroso. El artista brasileño Sergio Bessa presentó una animación por computadora titulada Contraction, consistente en una proyección en la pared con variaciones de la palabra “acto” (“act”). Bessa continúa una trayectoria influenciada por la poesía concreta, pero sobre todo por el uso del texto y del contexto. A través de la animación que hace que la raíz de la palabra se vea separándose y uniéndose con nuevas terminaciones, Bessa va construyendo referencias simultáneas a la arquitectura y al arte (contractor significa contratista, término utilizado para construcción, pero también se puede percibir como contra-actor que referencia al performance art).
Por otra parte, el acto de construcción y destrucción de frases en la animación es en cierta manera una ejecución de los mismos procesos a los que el texto se refiere, es decir, las frases se construyen y deconstruyen, y a la vez operan a manera de una actuación. La advertencia de Muntadas se hace particularmente efectiva en relación con el proyecto presentado por Leandro Erlich y Judi Werthein. Ambos artistas, cuya obra es también un análisis sobre la percepción, tomaron una fotografía en blanco y negro de la calle de enfrente y cubrieron el cristal entero de la galería con esta imagen, creando así la ilusión de la reflexión de un espejo. Adicionalmente, la presencia de una franja de la ventana con un espejo de verdad hacía que los transeúntes se vieran reflejados y que, por consiguiente, experimentaran un momento de confusión al verse sólo parcialmente reflejados en la superficie. La obra incita a reflexionar, entre otras cosas, sobre el tema de realidad de la percepción parcial, o dicho de otra manera: lo que damos por sentado al sólo tener una vista parcial de una realidad, y la manera como esta parcialidad tiende a convertirse en nuestra única base para reconocer y/o juzgar aquello que en realidad no hemos visto.
El artista Arnaldo Morales, por su parte, aprovechó el hecho de que las obras no pudieran apreciarse sino desde la calle y a través de la ventana de la galería, para crear un sistema interactivo a distancia. La interacción se logró colocando controles por fuera que activaban dos esculturas cinéticas (llamadas Electrobjetos) localizadas dentro de la galería. Al ser activadas éstas por los espectadores desde fuera, estas movían sus brazos para golpear fuertemente una columna, y los ruidos eran amplificados por unas bocinas externas. Las obras de Morales se caracterizan por tener casi siempre un elemento de interactividad, pero en este caso se pudo apreciar un interesante énfasis en su usual ecuación causa/efecto, debido a la distancia entre los elementos interiores y exteriores de la obra. Kara Hamilton presentó una proyección múltiple de vídeo titulada Ant (Hormiga), la cual hace conexión con el continuo interés en el dibujo en su obra, debido a su carácter inmediato, y por el hecho de que la artista busca utilizar un material videográfico lo más directo posible, sin intervenirlo ni alterarlo. En las múltiples pantallas, Hamilton presenta la imagen de una hormiga en un recorrido frenético por el pavimento que, además de enfatizar en el espacio, tiene un efecto hipnótico en el espectador, que tiende a centrarse en la hormiga como personaje principal y tratar de encontrar sentido o dirección a un movimiento que en realidad no lo tiene. Finalmente, Jan Kopp, quien trabaja también en vídeo, presentó una obra consistente en una proyección doble titulada Taming the Allen (Domando al extraterrestre). Esta obra incluye una selección de 15 minutos de material televisivo, desde el informe presidencial de Clinton hasta películas y sitcoms, aunque resincronizando las voces de cada segmento recontextualizándolos así en una sola secuencia. Si bien la obra de Kopp contiene algo de la frenética y azarosa búsqueda de la hormiga de la obra de Hamilton, ésta también puede ser vista como un intento de defensa y entendimiento ante la invasión de los medios a la que estamos sometidos a diario.
PABLO HELGUERA