César Paternosto

César Paternosto (nacido en 1931 en La Plata, Argentina, y residente en España) ha estado explorando diversos enfoques técnicos y estilísticos con el fin de crear obras de arte únicas por más de cinco décadas. Pintor, escultor, teórico y erudito, Paternosto se ha enfocado en la abstracción con su forma distintiva de abordar su historia, su papel en la producción artística de los siglos XX y XXI, y su influencia en diversos medios: desde sus raíces prehispánicas en la fibra hasta su apoderamiento de las bases para el arte moderno en todos los medios. Para Paternosto, la abstracción geométrica marca una presencia en obras que buscan un enfoque diferente a su ahora aceptable definición como una reducción de formas. Basados en el uso de formas geométricas simples ubicadas en espacios no ilusionistas y combinados en composiciones no objetivas, los artistas componen sus obras de acuerdo con principios matemáticos. Interesada en los elementos “de construcción” de una obra para enfatizar lo plano de la superficie de la pintura, la abstracción geométrica se enfocó en depurar el arte de los vestigios de la realidad visual. En la década de 1960, Paternosto comenzó a experimentar con la superficie plana de una pintura al declararla un objeto, eliminando detalles ajenos y las reglas tradicionales de la perspectiva. Sus pinturas representan espacios blancos vacíos que cambian los puntos focales y dirigen el ojo hacia los bordes con simples franjas o bandas de color, desvirtuando el método aceptado durante mucho tiempo de ver una pintura con su tema en la mitad.

Hacia los primeros años del siglo XXI, su obra se trasladó de forma natural para convertirse en el objeto mismo, con construcciones escultóricas que subvertían la pintura: “The Unconventional Support” (El soporte no convencional), el título de la exposición en Durban Segnini Gallery. Enfocándose en la continuidad de la práctica de Paternosto desde las tempranas pinturas “de bordes” hasta sus lienzos y esculturas más recientes, la iluminación blanca y la instalación minimalista facilitaban un diálogo entre lo bidimensional y lo tridimensional que a menudo es visualmente decepcionante. Con la abstracción como su dirección más elemental, la simplicidad de los bordes de las pinturas exigía un nuevo entendimiento sobre cómo se supone que funciona la pintura. La selección de obras de la exposición, que iba de 2014 a 2023 y estaba dedicada a su amigo de mucho tiempo, el fallecido César Segnini, actuaba como puertas abiertas hacia dentro y fuera del espacio, donde el espacio negativo era importante. Como estudiante de toda la vida y admirador del pasado precolombino, Paternosto también entiende la abstracción desde la perspectiva de los pueblos aborígenes, específicamente de los Andes. Con cientos de años dedicados a la producción de textiles con diseños que van desde los más simples del tejido urdimbre/trama hasta arquitectura monumental como las extraordinarias estructuras de piedra de los incas, los pueblos de los Andes pueden considerarse los primeros artistas abstractos de las Américas, y Paternosto entendió y apreció su producción creativa y su propósito ritual. Sus investigaciones antropológicas del pasado, en cuanto a tiempo, espacio y lugar, orientan la construcción de sus objetos; ellos mismos son estructuras, no esculturas comunes.

Al entrar en la galería, el espacio se alteraba de inmediato por la instalación de varias estructuras que actuaban como soportes pictóricos no convencionales, ni pintura ni escultura. Structure/Painting #12 (Estructura/Pintura #12) y Structure/Painting #13 (Estructura/Pintura # 13) (2023) estaban hechas de esmalte sobre hojas de aluminio para una intervención arquitectónica que nos recordaba los proyectos infantiles de construcciones con cajas con sus paneles de cartón entrecruzados encajados entre sí. Cada lado estaba cuidadosamente equilibrado en formas y bandas de colores para lograr efectos ilusionistas. Las estructuras y las pinturas se mezclaban para formar un diálogo con obras que estaban sobre la pared, como TEP (Tectónica del espacio pictórico), #4 (2019), una enorme pintura hecha con emulsión de acrílico sobre aglomerado de madera, que cuestionaba lo tridimensional con sus fuertes franjas verticales y colores primarios. Estas obras ponían en duda lo que es una pintura bidimensional y parecían imponerse visualmente sobre el ya complejo arreglo especial dominado por las obras sobre el piso. La combinación de obras sobre la pared, hechas de lienzo, aglomerado de madera y pintadas con acrílico y óleo, y las construcciones de piso realzaban la intención del artista de interrumpir las líneas de visión del espectador. El uso de color, en especial esmalte rojo, negro, azul y amarillo sobre las estructuras de aluminio, retaba aún más estas ideas de la escultura como una forma estática idealizada. Uno podía imaginarse doblando, volteando, cerrando y abriendo el objeto multifacético, con espacios abiertos entre los pliegues. Structure/Painting #14 (Estructura/Pintura #14) estaba cuidadosamente equilibrada sobre un delgado panel de aluminio y era una elegante combinación de blancos con franjas de esmalte amarillo y negro. Era una hazaña de equilibrio arquitectónico vista desde todos los lados; reforzaba la idea de “pintura estructural” de su título y la atención del artista a un sistema pictórico que se aplica dentro y fuera de la forma modular del objeto.