Se presenta en el Museo de Arte Moderno, en Ciudad de México, la primera retrospectiva en México del pintor argentino Kazuya Sakai (1927-2001). Que sea en este espacio es muy significativo, pues fue uno de los museos en los que Kazuya Sakai tuvo más presencia en su etapa en México en los años setenta. La muestra, curada por Daniel Garza Usabiaga, revisa el vasto trabajo del artista, quien además de ser pintor hizo también diseños gráficos relevantes como el de la revista Plural, dirigida por Octavio Paz.
La propuesta curatorial se centra en la época en que Kazuya Sakai vivió en México, entre 1965 y 1977. Si bien fueron solo doce años, se trata de un momento definitorio en la carrera del artista, en donde definió un estilo personal propio, que Garza Usabiaga define como “un patrón geométrico sin equivalentes en la plástica del siglo XX: estructuras lisas que decantan los colores planos y las volutas contrastadas del paisajismo tradicional nipón en sinuosas partituras de variaciones cromáticas vibrantes que se arremolinan al compás de sus compositores, saxofonistas, trompetistas y pianistas favoritos”.
La perspectiva curatorial de la exposición subraya la interdisciplinariedad y las múltiples referencias que alimentaron el trabajo de Sakai. La música, la estampa japonesa y su desempeño como crítico de arte influyeron en su producción pictórica. Aunque se trata de una exposición retrospectiva, la muestra integra obras de otros artistas contemporáneos de Sakai que produjeron en el mismo tenor estilístico, y cuya obra significó una retroalimentación para el argentino. Trabajos de Vicente Rojo, Manuel Felguérez, Helen Escobedo, Gunther Gerzso, Sebastián, Francisco Moyao y Eduardo Vázquez permiten entender las características estilísticas y formales de lo que en su momento se consideró como el geometrismo mexicano. En este núcleo, la muestra también incluye el trabajo de artistas latinoamericanos como Julio Le Parc, cuyas investigaciones previas guiaron y direccionaron el desarrollo del tardío geometrismo mexicano, que contó con la muestra El geometrismo mexicano. Una tendencia actual, en el MAM, en 1976. Estos proyectos sintetizan varias características de la época, como la experimentación visual, la relación con la tecnología y el interés por los efectos ópticos. La obra de Sakai no es la excepción; la muestra en el MAM incluye interesantes obras plásticas que integran la tridimensionalidad en el lienzo, haciendo propuestas pictórico-escultóricas que impactan en la percepción del espectador y en la tradicional división de géneros.
La exposición muestra distintos trabajos de Kazuya Sakai en diversos géneros. En cuanto a lo pictórico, se centra en la serie Ondulaciones, presentadas por primera vez en el mismo recinto, también en 1976. De acuerdo a la investigación de Garza Usabiaga, estas obras están inspiradas en –y son un directo homenaje– el trabajo del japonés Ogata Kôrin, cuya obra plantea, desde una estética japonesa tradicional, propuestas orgánicas con formas sinuosas. Sakai reinterpreta estas formas desde un estilo personal, moderno y de efectos ópticos en la serie Ondulaciones. En estas obras es donde se consolida el estilo más representativo de Sakai, pinturas de colores vibrantes con límite definido de formas geométricas curvas. Todas ellas aluden a compositores musicales, y se trata de una representación visual de la abstracción musical.
Garza Usabiaga señala en los textos de la exposición la similitud de la obra de Sakai con otras propuestas similares, como la serie Negaciones de Vicente Rojo. Las Ondulaciones de Sakai son una serie de repeticiones que se entienden como “cadena de anti-ensamblaje donde a partir del color y distintas configuraciones en la solución se introduce la diferencia en la repetición”. Esta lectura da una perspectiva política a la obra, pues la sitúa como una alternativa al creciente mundo corporativo y comercial de la repetición que se estaba consolidando en aquella época.
La muestra está acompañada de un catálogo en el que Garza Usabiaga refiere cómo el artista hablaba de las obras de esta serie como loops, con lo que se enfatiza la relación con lo sonoro y musical. El catálogo, diseñado por Luis Miguel León, presenta un formato novedoso, que consta de dos partes, una de ellas con textos e imágenes; la otra concentra únicamente imágenes de las pinturas, volviéndose un objeto de disfrute estético consecuente y consistente con las propuestas del artista.
JOSEFA ORTEGA
Maestra en Historia del Arte y curadora.