Simultáneo con la realización de las varias ferias de arte internacionales que se desarrollan en Miami, en el pasado mes de diciembre se inauguró en el MoCA (Museum of Contemporary Art of North Miami) una exposición individual del artista colombiano Carlos Salas (Pitalito, Huila, 1957). Esta exposición, la primera de Salas en EE. UU., hizo parte del proyecto Global Imagination propuesto por dicho museo para incluir a artistas de primer nivel que, por ser considerados periféricos, no han sido partícipes en los dominantes circuitos de muestras internacionales. La espaciosa exposición, que contribuye en sumo grado a una nueva articulación del panorama del arte que corresponde a la globalización del siglo XXI, que rompe los anticuados esquemas de centro-periferia, se ubicó en la producción de los últimos cinco años de Carlos Salas, posterior a la exhibida en su extensa retrospectiva del MAMBO (Museo de Arte Moderno de Bogotá) que se realizó en 2014.
Uno de los aspectos implícitos en su presentación es el cuestionamiento de la abstracción como monopolio de producción euro-norteamericana, al desplegar una propuesta de una pintura contemporánea de gran nivel, que refleja la solidez de trayectoria de varias décadas, y específicamente de expresionismo abstracto, no de abstracción geométrica, que sí ha sido ampliamente reconocida en la producción latinoamericana. Su obra manifiesta premisas que provienen de un contexto distinto y pone en juego otros asuntos estéticos e históricos, para ser considerada en sus propios términos.
Es una constante en la creación de la obra de Salas, desarrollada prioritariamente en series, la práctica de la pintura como experiencia vivencial, su correlación con las emociones del artista y eventos de la vida que entran en diálogo en su proceso de producción. Las pinturas formalmente presentan múltiples capas estructurales y significativas: un sustrato geométrico reticular ordenador, zonas y manchas atmosféricas donde en cada serie prima una dominante monocromática, y una libre escritura de marcas, notaciones y raspaduras cuya impronta emocional en ocasiones implica un impetuoso forcejeo o contienda con el campo pictórico. Las pinturas de sus series Marcas del sentimiento, de 2010, y la anterior Cartografía del sentimiento, no incluida en la muestra, constituyen mapas de sus emociones donde queda registrado cada evento o herida, lo que pasa por su cuerpo y por su mente, como accidentes geográficos.
Un aspecto sobresaliente es la paulatina presencia y evolución del elemento iconográfico del círculo hasta convertirse en dominante o fundamental. En la número nueve de la serie de diez obras rectangulares, Cada cuadro su historia, de 2011 (unas terracotas topográficas y otras azules atmosféricas), se advierten dos círculos, y en la última de ellas éstos aparecen totalmente definidos; posteriormente, en las seis obras de la serie Desde lo profundo del alma, de 2014, el artista rompe definitivamente con el marco rectangular para realizarlas directamente sobre soporte circular, llegando a la total exaltación de esta forma en En el abismo, de 2014, un círculo monumental de tres metros de diámetro, pieza central de la exposición. Este elemento aparece con la connotación de arquetipo jungiano, siendo intermitente y simultáneamente vientre, lugar de origen, e infinito, universo o mundo, un mandala donde se recrea la posibilidad de integridad completa; un campo de diálogo con las posibilidades de vida, de renacimiento, en su caso relacionado con procesos personales de caos y recuperación.
La exposición presenta de manera integral el documental En el Taller, filmado en Bogotá por Ana Salas, directora de cine residente en París e hija del artista, donde se realiza el seguimiento completo y hace públicas las vicisitudes del proceso del artista en su taller al producir su enorme obra En el abismo. Abismo es la aproximación del artista al inmenso lienzo circular en blanco en el que se inserta y enfrenta, como el hombre de Vitruvio, ante el proceso de creación y reafirmación de vida frente a lo desconocido. La película es una mirada al mundo interior de un artista y de su taller, y al proceso de producción, donde los sonidos de la labor pictórica, como una realidad aumentada, subrayan la materialidad del oficio; en ella se ponen en contexto el proceso, lugar, disquisiciones del artista, actos cotidianos y rutinarios, y las relaciones con su hija y otras personas, con la situación del país y noticias, y con sus sentimientos. Todos aquellos aspectos presentes, que lo marcan y con los que establece un diálogo, a su vez catalizan las marcas y el diálogo que Salas establece con su obra. El documental es explícitamente autorreferente, tanto de la producción del artista como de la producción misma de la película.
La mirada inquisitiva constante a la que el artista fue objeto durante la filmación del documental, como una lupa que magnifica, derivó en la realización de otra serie de pinturas y objetos escultóricos, Una daga clavada, de 2015, donde los círculos a su vez remiten y magnifican la mirada inquisitiva del espectador, inspeccionando y magnificando zonas de su pintura.
Carlos Salas, de formación inicial como arquitecto, realiza personalmente el diseño e instalación de sus exhibiciones. En el MAMBO de Bogotá había realizado una puesta en escena de su obra, que repitió en el MoCA transformando el espacio de las galerías al derribar paredes y abrirlas a una gran e imponente extensión continua. Allí su obra ejemplificó aspectos fundamentales acerca de la sobrevivencia y renovación de la pintura abstracta, en una propuesta que tiene la universalidad de establecer una relación dialéctica entre arte y vida, y donde el lienzo en blanco se constituye, no en una ventana al mundo exterior, ni en página para construir paradigmas intelectuales, sino en un campo abierto para la reflexión y diálogo con la vida integrando aspectos formales, estructurales y significativos.
NATALIA VEGA
Historiadora y crítica de arte, museóloga.